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HISTORIA DE EL REGGAETON
Existe un debate sobre el origen del reggaetón: para algunos es original de Puerto Rico mientras otros defienden que es de Panamá 1 , cuando en los años 1970, los jamaiquinos descendientes de inmigrantes que habían ayudado a construir el Canal de Panamá, empezaron a cantar reggae(ragga) en español.
Otro origen lógico propuesto es el de el inicio en Panamá, otra vez con la influencia de los jamaiquinos para los que este ritmo no era nuevo, pues el dancehall reggae y su variante raggamuffin tienen características precursoras del reggaeton (de ahí su nombre). Este origen del género no muestra al reggaeton como variante del reggae directamente como tal sino del dancehall reggae.
Se comienza a escuchar el reggaeton a principios de los noventa, con canciones de rap en español de fuerte contenido, como Soy de la calle de Vico C. El agrado por el rap dio fruto a éxitos como "La Escuela" de Ruben DJ, y "Gata Sandunguera" de Mey Vidal. La fusión del ritmo reggae, con el rap en español, dio origen a una fusión que ha evolucionado hasta lo que hoy conocemos por reggaeton. Entre las primeras canciones de la fusión podemos destacar "Me levanto los domingos" de Wiso G, que fue flanqueado con exponentes como Big Boy y producciones más viables del propio Vico C. El género reggaeton comenzó acuñando el término "under" en Puerto Rico, ya que debido al fuerte contenido de sus letras y la naturaleza de su lenguaje, era distribuido de manera clandestina entre la juventud. El primer "cassette" que se pudo vender comercialmente fue Playero 37, donde comenzaron cantando Daddy Yankee, O.G. Black, Master Joe, y otros.

El reggaeton pasó de ser género clandestino, a la única música que se escuchaba en sistemas de audio con gran bajo, dando a su vez un auge en "equipos de música" en todo tipo de autos. La comercialización dio paso a las tiraderas; Dj's enemigos con su bando de cantantes o corillos comenzaran una guerra lírica, donde se fue escalando la enemistad y la rencilla.
Estas rencillas y muchas otras hicieron decaer el reggeaton a finales de los noventa (1997-2000).
Un acuerdo entre todos los bandos de terminar con la tiraera permitió que se destacaran artistas a la misma vez que compilaciones. "Benny Blanco presenta a Daddy Yankee" "Don Chezina" salieron al mercado, pero la gente siguió prefiriendo las compilaciones de varios artistas.
Se siguió escuchando el ritmo, ya popular entre la juventud, que llegó a calar en los sentidos rítmicos del resto de América Latina y los Estados Unidos, lo que le ha dado una posición no esperada para un género que en el año 2000 se consideró en penumbra.
A partir de ese año entró en su momento de apogeo, conociéndose el estilo en múltiples países.
Características
El reggaetón es un estilo de música popular entre los jóvenes de muchos países de América Latina, en especial de los países caribeños, siendo fácil de bailar y provocando movimientos muy sensuales. Líneas de bajo y un ritmo repetitivo (casi clónico en todas sus canciones) es característico en el reggaetón. Tiene una sincronización característica por la cual se guían la mayoría de las canciones, dando una referencia fácil para el baile. EL ritmo es una variación de las líneas rítmicas del dancehall reggae jamaicano, que a mediados de los ochenta fusionaba rítmicas inspiradas en el funk, creando así ritmos fuertes y bailables. El reggaetón se suele asociar a una forma de bailar muy “sensual” y provocativa, con los cuerpos muy pegados, llamada a veces perreo (doggy style).
Las letras del reggaetón se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la canción sea pegadiza y de fácil identificación para el público. Este estilo de rima está también inspirado en el raggamuffin y dancehall jamaiquino, y en el rap.
Tan importante es la voz del cantante como el disc jockey (DJ) que mezcla la música. El éxito de una canción de reggaeton dependerá de una armonía entre ambos (dj y cantante) y de una letra pegadiza. Así de importante es el DJ que por lo general al inicio de las canciones, los cantantes nombran al o a los DJ's que mezclan la música en la canción.
Las voces cumplen una función importante, inclusive a veces tomando el rol de la música. Sus letras no están muy elaboradas pero cumplen con su función. Los temas de las letras en un origen eran de denuncia social, pero con el paso del tiempo ha ido derivando en un tipo de letras mucho más festivas, abundando sobre todo las que aluden al sexo. En ocasiones este tema es manejado de forma discreta y en otras la letra es sexualmente explícita. El léxico que se emplea está lleno de modismos populares que le dan jocosidad o melancolía según sea el caso. También, algunas de sus letras son calificadas por sus críticos como machistas y simples. Algunas canciones tienen contenido amoroso y sentimental, como por ejemplo, “Aunque te fuiste” de Don Omar, o “Tu príncipe” de Daddy Yankee feat. Zion y Lennox, “Hola” de Wisin y Yandel, o “Entrale” de Eddy K feat. Haila, o “Dile Mar” de Divino dándole así un toque romántico al reggaetón.
Otra característica del reggaetón son las voces estridentes, que son distorsionadas con equipos electrónicos, agregando un suave eco que le da más poder a cada palabra pronunciada (tipo dub, por ejemplo).
Críticas

La mayoría de las canciones del género son tachadas de tener un ritmo repetitivo. Sin embargo, la mayoría de las críticas van orientadas hacia las letras, de contenido explícito; unos las tachan de inmorales mientras que otros indican simplemente que tienen un alto contenido violento, sexual y machista. Diversos estudios aseguran que los sonidos, el vocabulario, la indumentaria, las letras y la actitud de este estilo se basan en el bandolerismo y la delincuencia; estas acusaciones serían aún más graves que las del acusado sexismo de algunas de sus letras. Este es el motivo de que en España numerosas emisoras de radio se nieguen a fomentar este fenómeno[cita requerida].
En Puerto Rico, la Comisión Nacional de Espectáculos Públicos y Radiofonía, prohibió una canción y un vídeo 2 . En Honduras, se ha presentado un anteproyecto de ley para regular la música con palabras obscenas, en especial el reggaeton 3 . En España, el Instituto Canario de la Mujer se quejó a la cadena de televisión Telecinco por la emisión de vídeos de este género

IMPORTANCIA DEL REGGAETON

Tiene una importancia cultural ya que su estilo y sentimiento va de manera especial de una u otra forma a raigada al pensamiento, situación en características de las personas seguidoras de el.
Es un género musical variante del raggamuffin, que así ves desciende del reggae jamaiquino, influenciado por el hip hop de la Miami, los ángeles y nueva york latino. Las particularidades del reggaetón son sus letras en las hablas locales del español y su influencia de otros estilos latinos, como la bamba y la salsa.
Tan importante es la vos del cantante como el disc jockey (dj) que mezcla la música. El éxito de una canción de reggaetón dependerá de una armonía entre ambos (dj y cantante) y de una letra pegadiza. Así de importante es el dj que por lo general al inicio de las canciones, los cantantes nombran al o a los dj’s que mezclan la música en la canción.

JUSTIFICACION
¿Qué tiene que ver el reggaetón con la música?
El reggaetón es un género importante en la historia de la música. Como toda clase de música. A demás de ser una de las más escuchadas también es muy elegida por los jóvenes de hoy en día, a unos le parece bueno el reggaetón y otros no la escuchan pero la critican juzgando y diciendo que es muy mala, solo que nosotros nos aprendemos las letras, la cantamos, nos relajamos es un pasatiempo de nosotros.
También como el vallenato que es muy romántico, pasivo, y tranquilo y otros tipos de música:
El merengue
La electrónica
El rock
El hip hop etc.…
Son diferentes tipos de letras y cada persona tiene elegida el tipo de música que le gusta.

es el instrumento más reconocido en géneros como blues, rock y flamenco. También es utilizada en géneros tales como rancheras y gruperas, además del folclore de varios países. Por su portabilidad y la posibilidad de ser interpretada tanto melódica como armónica mente, es uno de los instrumentos más populares en todo el mundo, en cuanto contribuye a su aprendizaje.

Es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera con un agujero acústico en el centro de la tapa, seis cuerdas un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero. Sobre el diapasón van incrustados los trastes.

C) DIBUJO DE GUITARRA CON LAS PARTES YU EXPLICACION.
D) FUNCION DE SUS PARTES.

1. CLAVIJA: Es una Pieza de madera con oreja que se usa en los instrumentos musicales con astil, para asegurar y arrollar las cuerdas,
Pieza de hierro con espiga cuadrada que se usa en los instrumentos musicales de clavijero con igual objeto.

2. CEJILLA: Es un (ǁ listón de los instrumentos de cuerda), Pieza suelta que, aplicada transversalmente sobre la encordadura de la guitarra y sujeta al mástil por medio de una abrazadera o de otro modo, sirve para elevar por igual el tono del instrumento.

3. TRASTE: Es Cada uno de los resaltos de metal o hueso que se colocan a trechos en el mástil de la guitarra u otros instrumentos semejantes, para que, oprimiendo entre ellos las cuerdas, quede a estas la longitud libre correspondiente a los diversos sonidos.

4. MÀSTIL: En los instrumentos de arco, púa y pulsación, pieza estrecha y larga sobre la cual se tienden y tensan las cuerdas. Es el que observa detenidamente las alturas de las cuerdas respecto al diapasón, en el traste 12. Con una gran altura de las cuerdas (10mm) se podrán realizar sonidos de mayor intensidad, pero se tendrá más imprecisión al tocar la afinación sera más imperfecta. Lo recomendable para una guitarra clásica de concierto es de 4 ½ mm.
Trabaja Para la 6ª cuerda y 3mm para la 1ª cuerda, tomando esta medida entre el lomo del traste 12 y la parte inferior de la cuerda estando la guitarra afinada. El mástil es el mago de la guitarra requiere una madera de gran estabilidad dimensional de baja densidad para que pese poco.

5. CUERDAS: Hilo, originariamente de tripa de animal y después de distintas sustancias materiales o artificiales, que se utiliza en muchos instrumentos musicales para producir los sonidos por su vibración.

6. OÌDO: Aptitud para percibir y reproducir los temas y melodías musicales.

7. ROSETÒN: Ventana circular calada, con adornos, que tiene la guitarra. (El huequito).

8. TAPA ARMÒNICA: Es el Sonido agudo, que se produce naturalmente por la resonancia de otro fundamental, como en los instrumentos de cuerda cuando se apoya con mucha suavidad el dedo sobre los nodos de la cuerda e Instrumento provisto de una serie de orificios con lengüeta, que se toca soplando o aspirando por estos orificios.

Es sin duda alguna, la parte principal de la guitarra las maderas obligadas son pino abeto o cedro de Canadá. Es la que observa que las vetas estén totalmente rectas y que la distancia entre ellas sea lo mas estrecha posible; hasta 2mm de anchura podemos admitir en maderas de primera clase, en la periferia de la tapa lógicamente la anchura es mayor que el centro debido a la constitución de la madera.

EL FONDO: es igual que le tapa armónica. Su misión como parte de la caja de resonancia, estriba en contener el volumen del aire y recibir el choque de las ondas sonoras para reflectarlo hacia fuera. La elección de las maderas para la construcción del fondo no obedece a exigencias técnicas de sonoridad, si no más bien dirigido hacia la mayor ornamentación del instrumento, y por lo tanto, se exigen maderas de gran belleza, como el palosanto, jara canda, caracolillo o ciprés.
9. PUENTE: Pieza de los instrumentos de cuerda que en la parte inferior de la tapa sujeta las cuerdas.

Pieza de madera adherida íntimamente a la tapa armónica esta situado en el tercio inferior de la tapa aproximadamente. La misión del puente es sujetar las cuerdas y transmitir sus vibraciones a la tapa. Por tal razón seria deseable que puente y tapa fuesen una misma pieza para ante la complejidad, se une mediante un buen adhesivo rígido y resistente. Para la construcción de puente se utiliza madera de palosanto, de gran resistencia y belleza. Los seis agujeritos que presenta el puente para soporte de las cuerdas fueron ideados por Dionisio aguado en el año 1824.

10. CAJA DE RESONANCIA: la caja de resonancia es la Prolongación del sonido, que se va disminuyendo por grados. Sonido producido por repercusión de otro. Y Cada uno de los sonidos elementales que acompañan al principal en una nota musical y comunican timbre particular a cada voz o instrumento.

La caja de resonancia o cuerpo de la guitarra, esta formada por dos tapas exactamente iguales en cuanto a forma , y por dos tiras que siguiendo el contorno de las tapas , se cierran por ambos extremos, con lo cual forman un volumen donde se amplifican los tenues sonidos que emiten las cuerdas al vibrar.

11. ARO: Pieza de hierro o de otra materia de la guitarra rígida, en forma de circunferencia.

Sirve Para que se suspenda el baile y que los bailarines tomen una copa o canten una copla entrecruzando los brazos.

12. TAPA (TRASERA): Pieza que cierra por la parte superior cajas o recipientes: como por ejemplo la guitarra.que necesita esta tapa para que pueda quedar totalmente sellada tanto en la parte de adelante o arriba o principalmente en la parte de atrás o de abajo por esto recibió el nombre de tapa trasera.

13. CLAVIJERO: (LA CABEZA) se construye en cedro centroamericano como continuación del mástil se une a este con adhesivos muy resistentes. En esta parte de la guitarra es el soporte del clavijero y este a su vez de las cuerdas la terminación de la cabeza brinda al constructor el lugar donde expresa un sello propio.

14. DIAPASÒN: es muy parecido al mástil. Intervalo que consta de cinco tonos, tres mayores y dos menores, y de dos semitonos mayores, diapente y diatesarón. Regla en que están determinadas las medidas convenientes, en la cual se ordena con debida proporción el diapasón de los instrumentos, y es la dirección para cortar los cañones de los órganos, las cuerdas de los clavicordios, etc. Es un Trozo de madera que cubre el mástil y sobre el cual se pisan con los dedos las cuerdas del violín y de otros instrumentos análogos o de cuerda.

Requiere de una madera de gran estabilidad dimensional de baja densidad para que pese poco .el diapasón exige una madera muy dura y se parece a la cedro (centro de honduras) pues al golpear de los dedos y el rose constante de las cuerdas acaban por producir huellas relativamente profundas. (Ébano carbonero, por su aspecto mate).

15. EL PESO: de una guitarra esta en función de la clase de maderas usadas en su construcción. Si partimos de guitarras de cierto nivel con las mismas medidas de la oscilación del peso puede ser entre 1,150y 1,750kg siendo ligeramente mas pesada la clásica que la flamenca debido a la mayor densidad del palosanto respecto al ciprés. Se ha comprobado ,tras pesar muchas guitarras, que no se puede mantener la creencia por parte de muchas “entendidos” de que las buenas guitarras son las que menos pesan, no existe una relación directa entre el peso y el sonido.

16. EL SONIDO: en una guitarra de concierto sera limpio en todas las cuerdas y en todos los trastes. Los sonidos no duraran el mayor tiempo posible, pues una guitarra en que el sonido se “apague” rápidamente no puede ser de calidad, este punto va íntimamente ligado con la intensidad de sonido, que es el factor mas importante.
Guitarras del Renacimiento y Barroco [editar]
Las guitarras del Renacimiento y Barroco son ancestros de las guitarras clásicas. Son más delicadas y producen un sonido más débil. Son más fáciles de distinguir de otras guitarras, ya que su cuerpo es más delgado y plano.
Guitarra acústica [editar]
Artículo principal: Guitarra acústica

Guitarra acústica
El adjetivo “acústica” es tomado directamente del inglés (acoustic guitar) por el uso que de dicho adjetivo hacen los anglófonos, para diferenciar la guitarra de caja con respecto a la guitarra eléctrica. Es claramente equívoco, pues la guitarra, por definición, es un instrumento acústico. Ocurre que la guitarra llamada "acústica" deriva de los diseños de C. F. Martin y Orville Gibson, principalmente, luthieres estadounidenses que desarrollaron su actividad principalmente a finales del s. XIX. Por ejemplo, para denominarlas los alemanes utilizan el adjetivo western (literalmente ‘[guitarras] del oeste’, como las películas), lo que se acerca más a su naturaleza y a la clase de música que las hizo populares.
La guitarra conocida comúnmente como "acústica" se caracteriza por tener normalmente una caja más ancha con "hombros" más rectos y un mástil más estrecho (aún admitiendo los innumerables tipos de guitarra acústica), pero su principal característica es que usa cuerdas metálicas, de níquel o acero. Ello produce una mayor resonancia y un sonido más brillante y agudo que una guitarra española.
Como las españolas estas guitarras se llaman así por emitir su sonido sin ningún tipo de amplificación eléctrica, sólo por transducción de la fuerza mecánica. Así las cosas, esta catalogación lleva a confusión, pues entre las guitarras "no eléctricas" hay dos tipos principales, que se distinguen por el tipo de cuerdas y la construcción del cuerpo: las guitarras llamadas "españolas" o "clásicas" (que tienen cuerdas de tripa, hoy nailon) y las llamadas "acústicas", con cuerdas metálicas y el cuerpo normalmente mayor. Las clásicas se tocan normalmente sentado aunque, como es usual en las acústicas y eléctricas, también pueden colgarse mediante una correa si se adaptan. En México, éstas son usadas en los mariachis y otras bandas.
Guitarra de flamenco [editar]

Artículo principal: Guitarra de flamenco
En España existe una variante muy extendida, similar a la guitarra clásica, de la que es difícil distinguirla a simple vista, conocida como guitarra de flamenco o "guitarra flamenca". Realmente, el repertorio clásico se incorporó a la guitarra relativamente tarde y la guitarra fue desde su más remota evolución un instrumento popular, por lo que no sería descabellado admitir que la guitarra auténtica es la de flamenco, mientras que la guitarra clásica es la evolución.
Varía su sonido por una construcción ligeramente distinta y el uso de distintos tipos de maderas. La guitarra flamenca tiene un sonido más percusivo, su caja es un poco más estrecha, y generalmente las cuerdas están más cerca del diapasón.
La guitarra flamenca tiene menos sonoridad y ofrece menos volumen que una guitarra clásica de concierto, pero su sonido es más brillante, y su ejecución es más fácil y rápida, debido a la menor altura de las cuerdas, lo que permite que se pueda hacer menos presión con los dedos de la mano izquierda sobre el diapasón.
Tradicionalmente las clavijas de afinación eran completamente de palo y se embutían en la pala de la guitarra de forma perpendicular a ella.
Suele llevar debajo de la roseta o agujero un guardapúas, golpeador o protector (a veces también uno superior), para evitar que los rasgueos y golpes que se dan en la tapa armónica, tan típicos en el Flamenco, afectan a la madera.
Guitarras rusas [editar]
Estas guitarras contienen siete cuerdas en vez de seis. La afinación de esta guitarra es completamente distinta a la española, ya que no es simplemente una guitarra acústica con una cuerda añadida. Tradicionalmente, se utiliza una afinación abierta en G mayor.
Guitarras eléctricas [editar]
Artículo principal: Guitarra eléctrica

Una guitarra eléctrica es una guitarra con uno o más transductores electromagnéticos llamados "pastillas" que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas. Hay tres tipos fundamentales de guitarras eléctricas: las de cuerpo sólido, las de cuerpo semi sólido y las de cuerpo hueco. Históricamente las primeras en inventarse fueron las de cuerpo hueco, al derivarse de guitarras de caja a las que se incorporaba un micrófono para poderse escuchar en las bandas de jazz.
Las guitarras de cuerpo sólido carecen de caja de resonancia, de forma que el cuerpo es un trozo de madera en el que van embutidos los micrófonos o "pastillas". Los modelos más conocidos son la Gibson Les Paul o las Fender Stratocaster y Telecaster. Las guitarras eléctricas de cuerpo semi sólido se caracterizan por tener, a veces, agujeros al exterior con formas en "f" similares a los de las cajas de resonancia de los violines y otros instrumentos acústicos. Las guitarras semisólidas, como la Gibson ES-335 o la Fender Telecaster Thinline tienen un bloque central para evitar los acoples.
La guitarra eléctrica necesita siempre ser conectada a un amplificador o a un sistema de amplificación, mesas de mezclas, etc., mediante un cable coaxial (normalmente un conector jack 6,3 mono). La guitarra eléctrica es uno de los instrumentos más importantes hoy en día, y aún diríamos imprescindibles en muchos géneros musicales modernos.
Guitarras electroacústicas [editar]
Son guitarras de caja (española o acústica) que poseen un previo de amplificación electrónico para conectarse a una fuente amplificada externa. También son llamadas guitarras electrificadas, término que hemos de reputar sinónimo, y que resalta el hecho de que el sistema de previo puede haberse instalado en origen o por el propio usuario.
La electrificación de una guitarra de caja elimina el uso del micrófono, ya que se conecta como una guitarra eléctrica a un amplificador externo. Ello evita en gran medida los acoples y facilita la labor del ingeniero de sonido en las grabaciones. Sin embargo, el sonido no es exactamente el mismo, ya que el micrófono que recoge el sonido se encuentra dentro de la caja y no fuera, que es donde se escucha el sonido real de la guitarra.
La diferencia con una guitarra eléctrica de caja (que son las que se usan habitualmente en jazz) es sobre todo el tipo de pastilla, pues mientras estas guitarras usan piezos y dan un sonido más natural, la guitarra eléctrica normalmente usa pastillas magnéticas y da un sonido nuevo y distinto.
Guitarras midi [editar]
Son guitarras especiales o adaptadores para guitarras convencionales que permiten controlar un sintetizador vía midi (protocolo de transmisión de datos que permite enviar información musical entre distintos dispositivos conectados por medio de cables). De esta manera, un guitarrista que no tiene habilidad para ejecutar un teclado o un órgano electrónico puede dispararlos desde una guitarra midi.
Una técnica básica es la de utilizar un conversor monofónico de frecuencia de audio a midi (pitch to midi converter) tomando la señal de audio de la guitarra por medio de colocar un micrófono en la boca de la misma o por medio de su salida de audio. También se comercializan puentes más sofisticados que pueden detectar la vibración de cada cuerda por separado de tal forma de poder ejecutar acordes, es decir, que poseen polifonía de 6 voces o simultaneidad de disparo de notas.
También existen guitarras midi totalmente electrónicas que poseen algo así como teclas o pads en los trastes y aletas a manera de cuerdas a la altura de donde estaría ubicada la boca de una guitarra convencional.
Una guitarra midi puede emularse por medio de programas informáticos que convierten señales de audio a midi, aún en tiempo real.

HISTORIA DE LA MUSICA
La Historia de la música es el estudio pormenorizado de las diferentes tradiciones en la música y su ordenación en el tiempo. Como disciplina académica es propia de los historiadores y de los musicólogos.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la Historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha venido siendo habitual, a occidente, donde se ha utilizado la expresión historia de la música para referirse a la historia de lo que actualmente se denomina música docta (incorrectamente llamada música clásica).
La expresión de las emociones y las ideas a través de la música está estrechamente relacionado con todos los demás aspectos de esa misma cultura, como la organización política y económica, el desarrollo técnico, la actitud de los compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticas más generalizadas de cada comunidad, la visión acerca de la función del arte en la sociedad, así como las variantes biográficas que cada autor.
Es su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más de 50.000 años 1 . Es por tanto una manifestación humana universal.
Música en la Prehistoria [editar]
Artículo principal: Música en la prehistoria
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. Danza y canto se funden como símbolos de la vida mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.
El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para producir nuevos sonidos.
Hay constancia de que hace unos 50 siglos en "Sumeria" ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda "Lira" y "arpa". Los cantos cultos antiguos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos.
En la "prehistoria" aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Es aquella en la cual las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron los objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en: Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con que la que están construidos; membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia; cordófonos: de cuerda, el arpa; aerófobos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida por un hueso con agujeros.
La música en el mundo clásico (5000 adC-476) [editar]
Antigua Grecia [editar]
En la Grecia antigua, la música se vió influenciada por todas las civilizaciones que la rodeaban, dada su importante posición estratégica. Culturas como la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas como en sus instrumentos musicales. Los Griegos daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música por ello está muy relacionada con el pueblo. Las leyendas de Orfeo y otros personajes mitológicos eran contadas con música aportando así a estas manifestaciones culturales un halo de misterio y poder sobrenatural. Varios dioses de su politeísmo tenían relación con las artes como la música (Apolo), el teatro y la danza (Dionisos). Éstos eran respaldados por musas o ninfas. Tersícore será la musa de la poesía coral y la danza, Erato de la poesía amatoria y Euterpe de la música y la flauta.
Musicalmente, los griegos dieron más importancia al ritmo que a la música, no obstante una buena voz era más apreciada que el sonido de un instrumento. Su música era básicamente repeticiones de la melodía de una estrofa una y otra vez sin variarla.
Llegó un momento en que la música se desligó de su vertiente teológica y se relacionó estrechamente con el poema épico. Aparecen los bardos que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se relacionó la música estrechamente con la filosofía. Los sabios de la época resaltan el valor cultural de la música. Pitágoras la considera una medicina para el alma, y Aristóteles la utiliza para llegar a la catarsis emocional.
Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a Dionisos, acompañados de danzas y el aulos, un instrumento parecido a la flauta. Surgen asímismo dramas, tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la danza, la música y la poesía.
Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulos, la siringa (una flauta de pan), el tympanon (un tambor siempre en manos de mujeres), el crótalo, varios tipos de tambores, el címbalo, el sistro, las castañuelas...
La palabra música deriva del griego mousike y fue elevada por esta civilización a la esencia de lo bello.
Antigua Roma [editar]
Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante, y aunque ambas culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la manera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la música en las grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una manera bohemia rodeados siempre de fiestas.
En los teatros romanos se representaban comedias al estilo griego. Los autores más famosos fueron entre otros Plauto, Terencio. La tragedia tuvo trasencencia siendo su máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental en estas obras teatrales.
A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Éstos eran unos actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de las tibiae, una especie de aulos. Los romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estos nuevos artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco. Ninguna música de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una comedia de Terencio.
Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto y España. Vuelven a aparecer antiguos estilos como la citarodia versos con cítara y la citarística cítara sola virtuosa. Eran habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina. Pese a todo esto, no está claro que roma valorara institucional y culturalmente a la música.
Edad Media (476-1400) [editar]
Artículo principal: Música medieval
Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música del periodo tardorromano. La evolución de las formas musicales apegadas al culto se resolvió a finales del s. VI en el llamado canto gregoriano. La música monódica profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores y troveros, junto a los minnesinger alemanes. Con la aparición en el s. XIII de la escuela de Notre Dame de París, la polifonía alcanzó un alto grado de sistematización y experimentó una gran transformación en el s. XIV con el llamado Ars Nova, que constituyó la base de la que se sirvió el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento.
La música en la Iglesia cristiana primitiva [editar]
Constantino instauró en Roma la sede del catolicismo hacia el año 325 D.C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos.
Era de suponerse que buscando una nueva identidad, los cristianos no desearan hacer uso de los estilos musicales predominantes en la Roma de aquella época. Los cuales claramente tenian un carácter pagano, cosa contra la cual debian estar los cristianos.
Para esto San Pedro introdujó melodias orientales, cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con Asia que con Europa. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo Testamento dentro del Libro de los Salmos, ellos son de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza de tradición helénica. Son estas formas de música, de origen oriental y basadas en una melodía cantada sólo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, las cuales dieron forma a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio.
En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al emperador Justiniano acerca de las costumbres de los cristianos, encontramos una interesante referencia de su música: "...ellos (los cristianos) tenian la costumbre de reunirse en un día especifico al alba, para alabar a Cristo como si de un dios se trátase, con un canto alterno"
El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta una estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona, y se puede cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.
San Ambrosio, Obispo de Milán, introdujo en Antioquía cánticos en forma de antífona. Compusó a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya existentes pronto se propagaron por toda Italia. Debido a las frecuentes amenazas contra el Imperio Romano por parte de las tribus bárbaras existió un gran agitamiento que provocó una dispersión de las melodías y la alteración de las mismas en cada región
Es así que en el año 600 el Papa San Gregorio Magno se encargo de la dispersión de estos cantos cristianos y por ende ordena una recopilación y ordenación de ellos. Este conjunto constituye lo que conocemos como el canto litúrgico católico oficial.
El canto gregoriano [editar]
Artículo principal: Canto gregoriano
El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia cristiana. Es utilizado como expresión y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa.
Características principales
Anónimo.
Realidad en latín.
A capella.
Monódico.
Ritmo libre.
Ámbito reducido.
Grados conjuntos.
Utiliza los ocho modos gregorianos.
Forma de oración y/o rezo, por ello es austero.
Clasificación
En función del momento en el que se canta, dentro del servicio religioso.
Según el incipit literario.
Forma literaria; un himno, un salmo, un cántico, etc.
Según el modelo de interpretación.
De tracto solista.
Antifonal alternación de dos coros.
Responsorio solista y coro.
Estilo directo coro.
Origen
Los primitivos cantos cristianos se inspiran en las melodías judías cantadas en las sinagogas y en modelos heleno-orientales. La Iglesia desarrolló su culto tras el fin de su persecución gracias a Constantino I (313), convirtiéndose de este modo en la religión oficial del imperio. En tiempos de Gregorio I existían diversas liturgias destacando la romana, galicana, ambrosiana y mozárabe. El único que se conserva dentro de la Iglesia son la romana y ambrosiana. El Papa realizó una reforma del canto romano tendente a simplificar y reordenar ritos y oraciones continuadas por otros papas. Por otro lado, Carlomagno y su padre Pipino el Breve, impulsaron el canto gregoriano que se había constituido en las iglesias francas sobre el modelo de un canto romano conocido mediante la tradición oral. De los siglos IX-XI, es el apogeo de tal canto por toda Europa y ya en los siglos XI-XII sufrirá una decadencia lenta. En 1856, se intenta restablecer en la abadía de Solemnes. Y en 1903, el Papa Pio X ordena que se realice el estudio del canto gregoriano.
Otros tipos de liturgia
- Ambrosiana o milanesa: canto de finales del siglo IV, que crea el himno e influye en el canto gregoriano que será el nuevo canto gregoriano. - Mozárabe: canto mantenido en las regiones de Al-Andalus, los centros serán Córdoba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es sustituido por el canto gregoriano, menos en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto, como fue la ciudad de Toledo. - Galicana: canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana.
Renacimiento (1400-1600) [editar]
Artículo principal: Música del Renacimiento
Escuela flamenca [editar]
Es en la región flamenca (Países bajos) donde, por su desarrollo económico, la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio, además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran cantidad de "schola cantorum".
Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin Des Pres. Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó a más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono. Se dice que Des Pres escribía tan sólo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad para los compositores.
Música renacentista francesa [editar]
La Chanson, música de tipo acordal que desembocará en el Madrigal. En él destacan Pierre Attaignant, Janequin y Calude Jeune. Las peculiaridades de estos compositores son la enorme brillantez y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extravertido se distinguio por tener realismo expresivo describe la naturaleza y resalta la expresion del texto, uno de sus exponentes es Clement Janaquin el escribio una de las canciones populares llamada L'Ahutte, esta melodia describe escena de caceria, cuadros de batalla, parloteo de mujeresy el ir y venir de la gente de los mercados, el lo describe como si quisiera pintarlos en un frasco para mostrar en la vida común.
El canto de la reforma Religiosa se aplican a melodias de canciones populares y se utiliza para el servicio religiosos en donde intervenian grande sgrupos de personas .
Calvino utilizo ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.
Música renacentista italiana [editar]
Música renacentista inglesa [editar]
Música renacentista alemana [editar]
Música renacentista española [editar]
En la música renacentista española destacan las obras del compositor Tomás Luis de Victoria
Barroco (1600-1750) [editar]
Artículo principal: Música barroca
La música barroca es el periodo musical que domina Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente,siendo remplazada por el clasicismo hacia 1750-1760.Es uno de los periodos mas ricos,fértiles,creativos y revolucionarios de la historia de la música.
En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo, así tenemos: Cromatismo, Expresividad, Bajo cifrado y bajo continuo, Intensidad, ópera, Oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga y la sinfonía.
http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_m%C3%BAsica
La música en la antiguedad
Es aquella en la cual las manifestaciones musicales del hombre consisten en la extereorizacion de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos.
Clasificación de instrumentos musicales primitivos:
a. Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con que la que están construidos.
b. Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia.
c. Cordófonos: de cuerda, el arpa.
d. Aerófobos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire.
Uno de los primeros instrumentos: la flauta(en un principio construida por un hueso con agujeros).
Lejano oriente
Música en China: atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese país ansiosos de novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la música; reservaban las primeras a los hombres ordinarios y las ultimas a hombres sabios.
Exponía la situación del país en cada momento histórico que vivía. Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron "cromática", descubierta por el maestro de música de Hoan-Ti(antiguo emperador).
Antes de descubrirse la escala dodecafónica (12 sonidos) los chinos usaron la escala pentatónica (5 quintas fa/do/sol/re/la)
FA=(Kong) representaba al príncipe. Do = (cho) a los negocios. Sol = (chang) a los ministros. LA = (kio) al pueblo. Re = (yo) a los objetos.
Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos: piedra, metal, seda, bambú, madera, cuero, calabaza y tierra.
Píen chong: campanas cuadradas, circulares, cubicas y en forma de vaso(abarcaba 12 notas).
Entre los instrumentos de viento están las flautas de Pau (si-siao); las flautas de bambú con orificios (siau o yo); las flautas traversas (ti o chou) y las trompetas. Entre los de cuerda estaba el Kin (laúd); el che (cítara); el pi-pa (guitarra con 4 cuerdas); el eut-hilu (guitarra con dos cuerdas); el cheng (igual que el che pero más pequeñas); el yang-kin (laúd extranjero con cuerdas de metal).
Música en Japón: la teoría musical y los instrumentos utilizados en Japón eran provenientes de corea, a su vez, los habían incorporado en china. Pero el refinamiento musical japonés alcanzó un nivel superior al chino. Instrumento favorito: el koto (citara sin trastes), de 7 tamaños, construidos con cañas de bambú, tenia desde 6 a 13 cuerdas: el yamato-goto y el yamato-bue. En los casos de acompañamiento instrumental, no acostumbraban hacer sonar simultáneamente la voz y el instrumento ya que ya le precedía a distancia de una corchea, realizándose una especie de cañón.
Existían diferentes géneros musicales: el bagaki para ceremonias del Emperador; el No, para la música de fondo en actos de teatro, el ko-uta, para la música folklórica y el noga-uta, para la musca seria.
En la actualidad existen dos corrientes musicales en Japón, una que pretende mantener la tradición musical a través de su música folclórica y la otra incorporada a las corrientes de la música occidental.
La música en la India:No paso inadvertidamente aun cuando su situación geografía alejada de Europa impidió que esta la conociera durante varios siglos. El carácter de la música india se encuentra más cercana a la música occidental que a la china y japonesa. Sus rasgos principales son origen mitológico, predominio del compás ternario y la división cromática de la escala. Igual que en china las notas de la escala tenían cierta relación con los individuos. La rajá (tónica) representaba al caudillo, la mautri (dominante) al primer ministros, etc.
La teoría musical tenia como base la raga (forma melódica), el cual al modificarse sus ritmos permitía el establecimiento de nuevos cantos. Las ragas representaban colores, estados del alma, cada uno tenia un sentimiento o contenido emocional propio. La música vocal y la instrumental de india tenia variadas aplicaciones, en la religión, en palacios, entre gente humilde, etc.
Instrumentos: de arco(ravanastia, ravana y amurita), de viento(flautas, oboes, cornamusas y trompetas) y de percusión (campanas, platillos, panderos y tambores). Él mas difundido en la era cristiana fue el laúd.
Medio oriente
La música en Israel
Era un elemento inseparable del culto. Pentateuco: el caso de Labán(reprocha a Jacob por haber partido el canoón con los suyos a escondidas sin haberse despedido con alegría, cantores, etc.) Génesis: cita instrumentos musicales(el kinno – de cuerdas, y el ougob – de viento) Exodo: el canto oral. Cantemus dominio: compuesto por Moisés (al pisar tierra firme después de cruzar el Mar Rojo), fue cantado por la Iglesia cristiana.
Instrumentos: Cuerda: las lisas, y cítaras. Salterio de 13 cuerdas (nebel), arpa egipcia de 10 cuerdas (kinner) llamada "arpa de David".
Viento: flauta simple (ugabo tedil), cuerno de carnero (schofar).
Percusión: tambores, cimbolos y castañuelas.

Cuenca del mediterráneo
Música en Egipto
Es un misterio como era la música egipcia. Se admite su influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados, también el hallazgo de bajorrelieves en templos religiosos. Se deduce que los egipcios poseían instrumentos de cuerda, viento y percusión, ya que se encontraron en algunas tumbas faraónicas figuras de flautas, etc.
Empleaban el movimiento de la mano (quirononía), para indicar la ondulación melódica, se marcó el ritmo con palmadas, sistros, crótalos, carracas, platillos y tambores, también para indicar la marcha de la melodía los cantantes se valían de movimientos de las manos(cheironomía).
La música se la asignaba con una doble posibilidad. Por un lado la capacidad de motivar en el hombre una sensación (de gozo, alegría) y por el otro, al de crear sensaciones de naturaleza mística y mágica.
Música en Grecia
Generalidades: componían música sobre la base de tipos de música ya consagrados, o sea: no creaban música.
Solo un determinado esquema musical le agregaban diferentes poesías o alteraban su ritmo dando nacimiento a otras obras musicales. Géneros melódicos muy variados:
Prosodia: canto entonado cuando la procesión se dirigía al templo.
Hiporquema: melodía asociada a movimientos corporales propios de danzas griegas.
Ditirambo: canción en honor de Dionisio o Baco.
Peán: himno en homenaje a Apolo.
Treno: canto fúnebre y doliente creado por Linos.
Elegía: carácter triste.
Himeneo y Apitalemio: carácter alegre, para el casamiento.
Sobre la base de estos géneros se elaboró toda la música lírica en Grecia, pero se fueron introduciendo otros géneros líricos como: Dafneforicas (entonados por portadores de laurel), Oscoforicas (por quienes llevaban una rama de vid), tipodeforicas (dos individuos que cargaban los trípodes.)
Sistema Musical: se nutrió de los principios de Pitágoras. Nuestros músicos, por ejemplo, encierran el marco melódico dentro del espacio de una octava, pero los antiguos griegos dividían a esta en 2 cuartas (tetracordios)
En las celebres fiestas nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y cantaban ditirambos. En las representaciones teatrales al coro era un personaje importante en las tragedias griegas.
Música en Roma
Generalidades: una diferencia de Grecia dedicó toda su vida a desarrollar sus ideales políticos, de allí que en el terreno musical y artístico se la considere imitadora de ésa.
El cultivo de la música era condenado por algunos gobernantes como Tulio Cicerón, pero Cicerón, por ejemplo consideraba que debía realizarse con perfección y moderación.
Instrumentos: tibia u oboe (intervenía en la donación de ofrendas a dioses. La cítara era consideraba mejor que la flauta. Entre los instrumentos predilectos estaba la fidula (flauta de dos tubos). Cerní (trompa), tuba (trompeta recta con sonidos graves) litus (trompeta de tubo largo y pabellón reducido). Luego los platillos. Los timbales y la lira de mucho arraigo popular.
Música popular
El pueblo Romano se preocupo por la música y el leguaje, por ejemplo, algunos oradores estaban acompañados por un flautista. Cuando inicia la época de los emperadores con Octavio(Augusto) comienza la "paz octaviana" época de gran prosperidad para las artes. Se desarrolla el virtuosismo musical entre profesionales y aficionados y ocupa una preferente atención de los emperadores.
La Música en la edad media
Se divide en el Periodo Patrístico (hasta el año 840, padres de la iglesia intervienen en la iniciación del canto cristiano)
En el románico (año 840 hasta la primera mitad del siglo XII{año 1250}) y el gótico (1250 a fin de la edad media {1453-fines del siglo XV}) en el periodo Patrístico apareció la era Cristiana y al Era media, en esta ultima la historia de la música se encuentra íntimamente ligada a la forma en que se desarrollo la liturgia cristiana ya que se consideraba a la música el vehículo por medio el cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios. Existieron formas de expresión musical.
http://www.monografias.com/trabajos5/mudipe/mudipe.shtml

Música
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. De todos modos, desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que hay destacados compositores que, en el marco de diversas experiencias rupturísticas, han realizado experiencias que, si bien son musicales, expanden los límites de la definición de este arte.La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptual del individuo, así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).
http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
Música: La música se puede definir como un conjunto de sonidos ordenados de una determinada manera y que transcurren en un tiempo determinado. Todos los estilos, tanto la música clásica como la folclórica, el rock o el jazz, cumplen con esta definición.
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Música: Música, movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. La música desempeña un papel importante en todas las sociedades y existe en una gran cantidad de estilos, característicos de diferentes regiones geográficas o épocas históricas.
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MUSICA:
1. f. Arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos,o de unos y otros a la vez,para crear un determinado efecto:
la música es una forma de arte presente en casi todas las sociedades humanas.
2. Teoría de este arte:
estudia música en el conservatorio.
3. Composición musical:
ha escrito la música para esta obra de teatro.
4. Conjunto de estas composiciones con una característica común:
en sus ratos libres escucha música clásica.
5. Sucesión de sonidos modulados según las leyes de la melodía,el ritmo y la armonía:
es capaz de producir música con vasos de agua llenos a distintos niveles.
6. Colección de papeles en que están escritas las composiciones musicales.
7. Grupo o conjunto de músicos que tocan juntos:
contrataron la música para la boda a través de un representante.
8. música celestial col. Lo que es agradable a uno:
eso que me cuentas es música celestial para mis oídos.
9. con la música a otra parte loc. adv. col. Expresión con que se aleja a alguien de un lugar:
como no le hacíamos caso se fue con la música a otra parte.
http://www.wordreference.com/definicion/m%FAsica
LA MÚSICA Y LA SOCIEDAD
La música ha desempeñado un papel fundamental en la historia, desde que el hombre es hombre.Se utiliza para tantas cosas que es casi imposible pensar en todas ellas: en celebraciones, ceremonias religiosas, ritos y danzas para pedir lluvia o buenas cosechas...; como método para relajarse; como forma de diversión a través del baile o escuchándola en un auditorio; como ayuda para enamorar a alguien; para tocar con amigos... Y así hasta el infinito.Es un arte con el que nos encontramos a diario, desde que nos despertamos hasta que nos acostamos.Sin la música, el mundo sería muy diferente.
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MUSICA:
Todas las culturas conocidas han desarrollado su propia música, pero sólo algunos lenguajes tienen una palabra específica para ella. En la cultura occidental los diccionarios suelen definir la música como un arte que trata de la combinación de sonidos en un espacio de tiempo con el fin de producir un artificio que posea belleza o atractivo, que siga algún tipo de lógica interna y muestre una estructura inteligible, además de requerir un talento especial por parte de su creador. Resulta claro que la música no es fácil de definir, aunque históricamente la mayoría de las personas han reconocido el concepto de la música y acordado si un sonido determinado es o no musical.
Sin embargo, existen áreas con límites indefinidos entre la música y otros fenómenos sonoros como el habla. Las diferentes culturas difieren en su opinión acerca de la musicalidad de varios sonidos. Por ejemplo, algunos cantos tribales simples, un estilo de canto semi-hablado, o una composición creada mediante un programa informático podrían ser o no aceptados como música por los miembros de una sociedad o subgrupo dados. Los musulmanes no consideran la entonación del Corán como un tipo de música, aunque la estructura del canto es similar a la del canto profano. El contexto social de los sonidos puede determinar si éstos se considerarán música o no. Por ejemplo, los ruidos industriales no suelen considerarse música, excepto cuando se presentan como parte de una composición controlada por un individuo creativo, lo que se denomina música concreta. No obstante, durante los últimos 50 años, las nuevas estéticas de la música occidental han desafiado este planteamiento. Compositores como John Cage han producido obras en las que el oyente es invitado a escuchar música a partir de los sonidos ambientales de un entorno.
También hay diferencia de opinión respecto a los orígenes y el significado espiritual de la música. En ciertas culturas africanas está considerada como algo exclusivo de los seres humanos; entre algunos pueblos indígenas americanos se cree que se originó para comunicarse con los espíritus. En la cultura occidental, la música se considera algo inherentemente bueno y agradable.
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